WTM decoration & boma

May 2026

In 2017, after finishing a solo exhibition at Archive Bomm, I participated in an exhibition at Doosan Gallery New York and stayed in the city for three months. As a stranger visiting the United States and a major Western metropolis for the first time, I fully indulged in a sense of freedom. Although I had generally viewed the culture of the First World—the U.S.—with cynicism, I enjoyed the diversity reflecting a directness devoid of complexes, feeling both envy and pleasure, thinking, "So this is the First World." As I had watched the countless white men passing by on the streets, in cafes, restaurants, and bars, One day, I felt a desire to taxidermize them as white vases and left behind several drawings capturing that thought. (This idea later evolved and was presented as “Beige Men Vase” at the solo exhibition with CAVA LIFE in 2020.)

Upon returning to Korea, I found it difficult to continue my artistic practice under the name fldjf studio, falling into a slump. It felt as though the digital work and the untouchable practice of fldjf studio its underlying momentum had lost their anchor within me. I frequented my studio and made various attempts, but for about a year, I was unable to produce any work. Then, after a year had passed, I happened to touch some air-dry clay in the studio. I felt a profound sense of welcome as I watched shapes change and forms emerge through the pressure and touch of my hands.

Taking this as a turning point, I began exploring gestures and material-senses through small substances. By making clay pieces and searching for scents, I was able to elevate tangible pieces—drawings, small fragments, Material Suite, and certain paintings—that had existed within fldjf studio's work but were treated merely as fragile, decorative elements I didn't know how to handle, into the dimension of material work. It was the moment I finally emerged from the cradle where I had dealt with the world and materials defensively. At the time, I didn't know exactly what change was occurring, but looking back now, I understand that period in that way. While searching for a language to name this artistic practice, I remembered the white men I had wanted to preserve as vases and named it White Men Decoration & boma.

WTM decoration & boma began with clay jewelry, objects, and small sculptures, eventually expanding into resin jewelry; a collection that was even launched on W Concept. This practice was less about conventional business and more about an experiment in how far a ‘fake’ could be made real. By creating events to sell or gift clay jewelry—which is inherently vulnerable to water and force—the intent was to observe how the work, or the value assumed by it, would be distributed and exchanged. For the following three years, all works involving form, volume, and texture were carried out under the name wtm deco & boma, showcased in various exhibitions starting with the solo exhibition Rebecca Son and the Cost (2019, Gallery SP).

This practice served as the keystone to confidently present substantial works, leading to the Sophie Etulis Xylang Co., project from 2020, which extended to marble patterns, paintings, decorations, and temporary furniture-scale pieces. (Notably, these furniture-scale works intersect with the exploration of the fldjf material suite previously conducted under fldjf studio). Through this process, my substantial practices have evolved to inhabit and permeate exhibitions and installations without guilt of being charging its own existence, asserting their own roles and titles.

By 2022, WTM decoration & boma transitioned into the identity of a female painter named Boma Pak (using both lower and uppercase), leading to the exhibition Boma Pak: Mercy, Paintings and Matters 19xx-2022 (2022, YPC Space). Furthermore, the olfactive work has expanded into the service of Maatter. Even after projects and exhibitions conclude, the works and the remnants of installations continue their existence through the Afterwards or Inclusions series.

2017년 당시 아카이브 봄에서 개인 전시를 마친 후, 두산 갤러리 뉴욕에서 열린 전시에 참여하게 되어 3개월간 뉴욕에 머물렀습니다. 처음 방문한 미국이자 서구 대도시였던 그곳에서 저는 이방인으로서 사뭇 자유로운 감각을 만끽했습니다. 평소 제1세계인 미국의 문화를 냉소적으로 바라보기도 했으나, 콤플렉스 없이 직설적인 면모가 반영된 그곳의 다양함을 즐기며 '이것이 제1세계구나'라는 부러움과 즐거움을 느꼈습니다. 그러던 어느 날, 그곳의 거리, 카페, 식당과 바에서 스치는 수많은 백인 남성을 보며 이들을 '화병'으로 만들고 싶다는 욕망을 느꼈고, 그 생각을 담아 몇 장의 드로잉을 남겼습니다. (이 아이디어는 몇 년 후 <베이지 멘 화병> 시리즈로 이어졌고 2020년에 카바 라이프에서 열린 개인전에서 선보였습니다.)

한국으로 돌아온 뒤, 저는 더 이상 fldjf studio의 이름으로 미술 실천을 이어가기 어려운 매너리즘에 빠졌습니다. fldjf studio의 디지털 작업과 그 동력이 제 안에서 닻을 잃은 느낌이었습니다. 작업실을 드나들며 여러 시도를 해보았지만 약 1년 동안 아무런 작업도 하지 못했습니다. 그러다 1년이 지난 시점에 우연히 작업실에 있던 지점토를 만지게 되었고, 제 손의 압력과 터치에 따라 모양이 변하며 형태가 생겨나는 과정에 무척 큰 반가움을 느꼈습니다.

이를 계기로 작은 물질을 통해 제스처와 물질-감각을 탐구하기 시작했습니다. 점토로 무언가 작은 것을 만들고 향을 찾는 과정을 거치며, 이전의 fldjf studio 작업 안에서도 줄곧 이어져 왔지만 어떻게 다뤄야 할지 몰랐던, 드로잉, 작은 부스러기 조각들, 설치, 어떤 페인팅 등 장식처럼만 존재하던 연약하고 유형의(tangible) 작업들을 물질 작업의 차원으로 끌어올릴 수 있게 되었습니다. 당시에는 어떤 변화가 일어나고 있는지 정확히 몰랐으나, 이 과정을 세계와 물질을 방어적으로 다루던 요람에서 나오게 된 일로 이해하고 있습니다. 이 미술 실천을 부를 언어를 찾던 중 화병으로 박제하고 싶었던 백인 남성들을 떠올렸고, 이를 White Men Decoration & boma라 이름 붙였습니다.

WTM decoration & boma는 점토 주얼리, 오브제, 작은 조각 만들기를 시작으로 레진 주얼리까지 제작했으며, 이 컬렉션은 W concept에 입점되기도 했습니다. 이는 실제 사업을 목적으로 했다기보다 ‘가짜’를 얼만큼까지 실제로 가능하도록 만드는 일에 가까웠으며, 물과 힘에 약한 점토 쥬얼리를 판매하거나 누군가에게 증여하는 이벤트를 만들기도 했는데, 이것은 작업 또는 그것으로 상정되는 가치가 어떻게 유통, 교환될 것인지를 보고 싶었기 때문입니다. 이후 약 3년 간 형태와 부피, 질감이 있는 작업군은 wtm deco & boma의 이름아래 진행되었고, 2019년 갤러리 SP에서 열린 개인전 《Rebecca Son and the Cost》를 기점으로 다양한 전시에서 선보였습니다. 


WTM decoration & boma의 실천은 substantial한 작업을 자신있게 선보일 수 있는 토대가 되었고 이후 2020년부터 이어진 Sophie Etulis Xylang Co., 프로젝트를 진행하며 대리석 패턴, 페인팅, 장식, 일시적인 가구 스케일의 작업까지 이어집니다. (한편 가구 스케일의 작업은 fldjf studio로서 탐구한 fldjf material suite 의 실천과 맞닿아 있습니다.) 이러한 과정을 거치며 저의 실체적인 실천들은 전시와 설치 현장에 어떠한 죄책감 없이 등장하고 스며들며, 각자의 역할과 타이틀을 당당히 점유하는 방식으로 진화해 왔습니다.


2022년에 이르러 WTM decoration & boma는 Boma Pak(대소문자를 혼용하는)이라는 여류화가의 정체성으로 전이되어 《Boma Pak: Mercy, Paintings and Matters 19xx-2022》(2022, YPC Space) 전시로 연결되었습니다. 또한, 향 작업은 Maatter의 서비스로 그 영역이 확장되었습니다. 프로젝트와 전시가 끝난 뒤에도, 작업들과 설치의 잔해는 Afterwards 또는 Inclusions 시리즈를 통해 그 존재를 지속해 나가고 있습니다.